Étiquette : Hybridation

À la Frankenstein

Mon cahier de sixième

13 mai 2024
Après que le roman de Mary SHELLEY (Frankenstein ou le Prométhée moderne, 1818) eut été adapté dans le film de 1931, le monstre est devenu dans l’imagination collective plus connu sous les traits de Boris Karloff (maquillé par Jack Pierce), avec son front très épais, ses boulons dans le cou, ses points de suture et sa peau verdâtre.

Pourtant le monstre de Frankenstein de Boris KARLOFF diffère particulièrement de son homologue littéraire :
- il est amené à la vie par la foudre : ce n’est jamais précisé dans le roman, bien que le docteur Frankenstein remette en question ses connaissances scientifiques en voyant la foudre frapper un arbre et éveille le monstre en réunissant les « instruments de vie pour en communiquer une étincelle à la chose inanimée » (le terme « étincelle » pouvant être pris au figuré)
- il est constitué de morceaux de cadavres déterrés au cimetière, qui tiennent en place par de gros points de suture : dans la version écrite, il prend des « os dans les charniers », pénètre dans « l’humidité infecte des tombeaux ou [torturait] des animaux vivants pour donner la vie à de l’argile inerte ». La créature n’est donc à l’origine pas composée uniquement de morceaux de cadavres
- il a des électrodes sur le cou (jamais décrites par Mary Shelley)
- il possède une intelligence amoindrie et un vocabulaire très réduit (alors qu’à l’origine, il est doté d’une très grande intelligence et est capable de parler de manière sophistiquée).
Proposez votre interprétation de la créature (le monstre) à partir de pièces de vieilles peluches et de poupées (et éventuellement de matériaux et objets recyclables).
#créature #monstre #assemblage #cohérence

Objectifs

La séquence a pour objectifs d’amener les élèves à :
- expérimenter divers modes d’assemblage
- interroger les relations entre les parties et le tout
- explorer l’hétérogénéité des formes et des matériaux, afin d’aboutir à la cohérence de l’ensemble.
Questions

En quoi le rapprochement de matériaux hétérogènes parvient-il à atteindre une telle cohérence, qu’il fait oublier leur destination première ? Par quels moyens plastiques, l’artiste met-il en place un dispositif qui détourne les objets de leur fonction première ?
Comment dépasser la signification des parties pour comprendre le tout, l’unité créée ? Dans quelle limite est-il possible de donner une portée artistique à des éléments de rebuts ?

Niki de St PHALLE, Monstre de Soisy, 1966, assemblage

Références artistiques possible
- Niki de St PHALLE, Monstre de Soisy, 1966, assemblage, papier journal, peinture, matières textiles, animal naturalisé et objets divers sur structure métallique et bois, 180×163×253 cm, centre Pompidou, Paris
- Pablo PICASSO, Guenon, 1951, assemblage, bronze, 53×33×53 cm
- Annette MESSAGER, Articulés/ désarticulés, 2002, installation
- Thomas GRÜNFELD, Misfit (Cow), 1997, taxidermie, 152×190×90 cm
- Anne ESPERET, Organismes 2^e génération, 2003, photographies en couleur
- Tony CRAGG, Canoe, 1982, objets et fragments d’objets en plastique, 50×515×102 cm, Centre Pompidou, Paris
Anne ESPERET est une artiste qui s’intéresse aux enjeux, aux limites de la biotechnologie. Cette science contemporaine pleine de promesses se heurte à l’éthique, se confronte à la philosophie, touche aux préjugés et aux tabous. Elle nous offre dans son catalogue en ligne un bestiaire d’Organismes Deuxième Génération, assemblage de restes d’êtres vivants afin de leur insuffler une nouvelle vie.

Références au programme du cycle 3

Questionnement(s)

La représentation plastique et les dispositifs de présentation :
- la ressemblance : découverte, prise de conscience et appropriation de la valeur expressive de l’écart dans la représentation,
Les fabrications et la relation entre l’objet et l’espace :
- l’hétérogénéité et la cohérence plastiques : les questions de choix et de relations formelles entre constituants plastiques divers, la qualité des effets plastiques induits ; le sens produit par des techniques mixtes dans les pratiques bidimensionnelles et dans les fabrications en trois dimensions,
Compétences disciplinaires

Composantes plasticiennes

– Expérimenter, produire, créer
- 1.1 – Choisir, organiser et mobiliser des gestes, des outils et des matériaux en fonction des effets qu’ils produisent.
Composantes théoriques (méthodologiques et sociales)

– Mettre en œuvre un projet artistique
- 2.1 – Identifier les principaux outils et compétences nécessaires à la réalisation d’un projet artistique.
– S’exprimer, analyser sa pratique, celle de ses pairs, établir une relation avec celle des artistes, s’ouvrir l’altérité
- 3.2 – Justifier des choix pour rendre compte du cheminement qui conduit de l’intention à la réalisation.
Composantes culturelles

– Se repérer dans les domaines liés aux arts plastiques, être sensible aux questions de l’art
- 4.2 – Identifier quelques caractéristiques qui inscrivent une œuvre d’art dans une aire géographique ou culturelle et dans un temps historique, contemporain, proche ou lointain.
ぼくはテツオ

Mon cahier de quatrième

7 mars 2024
ぼくはテツオ (Bokuwa Tetsuo – je suis Testuo)

Tetsuo est un film phare du jeune cinéma underground japonais réalisé par Shinya TSUKAMOTO, sorti en 1989.
Après un accident d’automobile, un homme voit son corps muter en une sorte d’aimant ramassant tous les détritus métalliques de la société.

Tetsuo est également un personnage central du manga Akira d’Otomo KATSUHIRO (publié entre 1980 et 1988).
Dans l’univers apocalyptique d’un Tokyo post-atomique, Kanéda et sa bande vivent la nuit et se disputent la ville avec d’autres clans. Tetsuo, un ami de Kanéda, est victime d’un étrange accident lors d’une sortie en moto. Évacué par les militaires, il sert de cobaye et reçoit un pouvoir qui dépasse sa conscience…
Échappant à tout contrôle, il finit par délivrer Akira, un enfant doté de pouvoirs psychiques extraordinaires, mais entre dans un cycle de mutations monstrueuses à mesure que son pouvoir grandit.

Tetsuo, the Bullet man, un film de Shinya Tsukamoto

Tetsuo, illustration d’Otomo Katsuhiro

Représentez Tetsuo lors de sa mutation : son corps absorbant immuablement les éléments et objets technologiques proches.
#cyberpunk #hybridation #mutation

Mutation : changement génétique brusque et permanent.
Hybride : se dit de quelqu’un, de quelque chose qui est composé d’éléments disparates.

Questions

Dans quelle limite le corps peut-il être interrogé par l’artiste à l’ère du numérique ? Qu’est-ce qu’un hybride au 21^e siècle ? Comment l’art s’empare-t-il de la mutation technologique de la société ? En quoi les pratiques technologiques remettent-elles en cause les pratiques artistiques traditionnelles ?

Références artistiques possibles
- Raoul HAUSMANN, L’esprit de notre temps – Tête mécanique, 1919, assemblage, 32,5×21×20 cm, Musée national d’Art moderne, Paris.
- Niki de St PHALLE, Monstre, 1963, assemblage d’objets et peinture
- ORLAN, Série des Défiguration-refiguration, Self-hybridations précolombiennes, 1998, photographie couleur, 150×100 cm
- Thomas GRÜNFELD, Misfits (girafe, autruche, cheval), 2000, taxidermie, 210×130×180 cm, Galerie Jousse, Paris
- Daniel LEE, Séries Manimals, 2003, photographies (Ektachrome) retouchées à l’aide du logiciel Adobe Photoshop
- Freya JOBBINS, Eurydice, 2014, assemblage, fragments de poupées en matière plastique, 50×20×35 cm
Cyberpunk

Le cyberpunk (association des mots cybernétique et punk) est un genre de la science-fiction très apparenté à la dystopie et aux thématiques du hacker, de l’intelligence artificielle et des multinationales. Il met souvent en scène un futur proche, avec une société technologiquement avancée et la plupart du temps dans un futur proche sur Terre.

Les univers cyberpunks sont empreints de violence et de pessimisme ; ils sont souvent lugubres, parfois ironiquement grinçants ; les personnages sont des antihéros désabusés, cyniques et et nihilistes vivant en marge d’une société entièrement informatisée voire robotisée.

Films et animations
- Blade Runner de Ridley SCOTT, 1982, film de 117 min, d’après le roman de Philip K. DICK
- Tron de Steven LISBERGER, 1982, film de 96 min
- RoboCop de Paul VERHOEVEN, 1987, film de 102 min
- Akira de Katsuhiro ŌTOMO, 1988, anime de 104 min, d’après le manga, 1982-1990
- Total Recall de Paul VERHOEVEN, 1990, film de 110 min, d’après une nouvelle de Philip K. DICK
- Gunnm de Yukito KISHIRO, 1990, manga culte adapté au cinéma sous le nom de Alita: Battle Angel par Robert RODRIGUEZ, 2019, film de 122 min
- Ghost in the Shell, 1995, anime de Mamoru OSHII, d’après le manga de Masamune SHIROW, 1989-1997 (photogramme en bandeau)
- Matrix de Les WACHOWSKI, 1999, film de 136 min
- eXistenZ de David CRONENBERG, 1999, film de 96 min
- Avalon de Mamoru OSHII, 2001, film de 106 min
- Upgrade de Leigh WHANNELL, 2018, film de 100 min
- Ready Player One de Steven SPIELBERG, 2018, film de 140 min
Photogramme de Alita: Battle Angel (2019)
de Robert Rodriguez

Références au programme du cycle 4

Questionnement(s)

La représentation ; images, réalité et fiction :
- l’autonomie de l’œuvre d’art, les modalités de son autoréférenciation : l’autonomie de l’œuvre vis-à-vis du monde visible ; inclusion ou mise en abyme de ses propres constituants ; art abstrait, informel, concret, etc.
- la création, la matérialité, le statut, la signification des images : leurs propriétés plastiques, iconiques, sémantiques, symboliques
- la conception, la production et la diffusion de l’œuvre plastique à l’ère du numérique : les relations entre intentions artistiques, médiums de la pratique plastique, codes et outils numériques.
La matérialité de l’œuvre ; l’objet et l’œuvre :
- la transformation de la matière : le pouvoir de représentation ou de signification de la réalité physique globale de l’œuvre
- les qualités physiques des matériaux : les matériaux et leur potentiel de signification dans une intention artistique, leur nature et leurs caractéristiques, les notions de fini et non fini.
Compétences disciplinaires

Composantes plasticiennes

– Expérimenter, produire, créer
- 1.1 – Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une intention artistique en restant attentif à l’inattendu.
- 1.4 – Explorer l’ensemble des champs de la pratique plastique et leurs hybridations, notamment avec les pratiques numériques.
- 1.6 – Exploiter des informations et de la documentation, notamment iconique, pour servir un projet de création.
Composantes théoriques (méthodologiques et sociales)

– Mettre en œuvre un projet artistique
- 2.1 – Concevoir, réaliser, donner à voir des projets artistiques, individuels ou collectifs.
– S’exprimer, analyser sa pratique, celle de ses pairs, établir une relation avec celle des artistes, s’ouvrir à l’altérité
- 3.2 – Établir des liens entre son propre travail, les œuvres rencontrées ou les démarches observées.
Composantes culturelles

– Se repérer dans les domaines liés aux arts plastiques, être sensible aux questions de l’art
- 4.1 – Reconnaitre et connaitre des œuvres de domaines et d’époques variés appartenant au patrimoine national et mondial, en saisir le sens et l’intérêt.

L’Île du docteur Moreau

11 décembre 2023

L’Île du docteur Moreau (The Island of Dr. Moreau) est un roman de science-fiction écrit par H. G. Wells, publié en 1896.
Unique survivant d’un naufrage, Edward Prendick est secouru par Montgomery, passager d’un navire faisant route vers une île tropicale avec une cargaison d’animaux. Montgomery est l’assistant du docteur Moreau, un scientifique obsédé par ses recherches. Prendick découvre avec effroi que, depuis dix ans, les deux hommes se livrent à des expériences sur les animaux, en réalisant des greffes et de multiples interventions chirurgicales, afin d’en faire des hommes capables de penser et de parler.

Vous-même, explorateur et dessinateur, avez vécu une histoire très proche de celle d’Edward Prendick et vous proposez aujourd’hui deux planches dessinées (BD) racontant votre découverte d’une des créatures du docteur Moreau.

Une attention toute particulière sera portée à la représentation de l’être hybride, au travail graphique de mise en page, le choix des points de vue, des cadrages. Le rythme de la narration aura également son importance, notamment en ce qui concerne le changement de page : le lecteur doit passer d’une page à l’autre pour poursuivre la lecture, encore faut-il lui en insuffler l’envie. La dernière case privilégiera quant à elle le pic de suspense, la réponse aux questions importantes de votre histoire… Ici, la découverte.
#SF #bande dessinée

Le mythe de l’homme se transformant en animal féroce ou des mentions de créatures mi-humaines et mi-animales se retrouvent dans bien des cultures. La thérianthropie* peut aussi désigner les représentations de créatures présentant simultanément des traits humains et animaux, comme les dieux égyptiens Ra, Anubis, Horus et beaucoup d’autres, aussi bien que des créatures mythologiques comme les centaures et les sirènes.
*La thérianthropie ou zooanthropie est la transformation d’un être humain en animal, de façon complète ou partielle, aussi bien que la transformation inverse dans le cadre mythologique et spirituel concerné.

Exemples au cinéma

The Wolf Man, un film de George Waggner de 1941.

La Belle : Josette Day et la Bête : Jean Marais,
La Belle et la Bête, un film de Jean Cocteau, 1946
http://fr.wikipedia.org/wiki/La_Belle_et_la_Bête_(film,_1946)

Objectifs pédagogiques

La séquence a pour objectifs d’amener les élèves à :

exploiter divers documents iconiques pour servir un projet graphique
construire un schéma narratif, exploiter les procédés iconographiques de narration
comprendre que l’image n’est qu’une vision partielle, la partie d’un ensemble
mobiliser et adapter les moyens plastiques à la bande dessinée.

Questions

Qu’est-ce qu’un être hybride ? Dans quelle mesure une représentation peut-elle s’affranchir du monde réel ? En quoi l’écart entre le référent et sa représentation peut-il être porteur de sens ?
En quoi la narration intègre-t-elle la dimension temporelle et séquentielle ? Comment la narration modifie-t-elle le dispositif de représentation ? Dans quelle limite l’organisation ou l’agencement plastique des images peut-elle raconter une histoire ?

Planche au trait gravée par Louis-Pierre BALTARD (1764-1846)
reproduisant un dessin du peintre Charles Le BRUN (1619-1690)

Joan FONCUBERTA, *Alopex Stultus*, 1985-1989

Références artistiques

Jérôme BOSCH, Le Jardin des délices, 1503-1515, huile sur panneaux de chêne, 220 × 389 cm, Musée du Prado, Madrid
Conrad GESSNER, Bestiaire Historia Animalium, 1558, Bayerische Staatsbibliothek München
Le BERNIN, Appolon et Daphné, 1622-1625, Galerie Borghèse, Rome
Charles Le BRUN, La Physionomie humaine et animale, 1668-1671
Johann Caspar LAVATER, L’art de connaître les hommes par la physionomie, 1775, gravures
LAWICK/MÜLLER, La Folie à Deux, 1992-1996, série de portraits photographiques de couples d’artistes
Daniel LEE, Manimals, 1993, série de douze photographies modifiées numériquement avec Photoshop (cf. portraits du zodiaque chinois), 61 × 81,3 cm chacune
Thomas GRÛNFELD, Misfits – Girafe, autruche, cheval, 2000, assemblage, travail de taxidermie, 210 × 130 × 180 cm
The Island of Dr. Hibbert, The Simpsons, Saison 14 Épisode de Treehouse of Horrors III, épisode réalisé par David Silverman, diffusé aux USA en novembre 2002

Chris WARE, une planche extraite de *Acme Novelty Library #7, Big Book of Joke*, 1996

Christophe BLAIN, planche extraite de *Donjon Potron-Minet – Une jeunesse qui s’enfuit*, 2002-2003

Niveaux de maîtrise

Compétences	Maîtrises
1.1 – Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une intention artistique en restant attentif à l’inattendu	Je choisis et mobilise avec difficultés des langages et moyens plastiques variés pour exprimer mon intention artistique. Je ne parviens pas à exploiter l’inattendu de manière créative.	–
	Je commence à explorer des langages et moyens plastiques variés, mais j’exploite sans analyse l’impact de mes choix artistiques et l’utilisation de l’inattendu.	+-
	Je choisis et adapte à profit des langages et des moyens plastiques variés pour exprimer mon intention artistique et intègre l’inattendu de manière créative dans ma démarche.	+
	Je fais preuve d’une bonne maîtrise dans le choix, la mobilisation et l’adaptation des langages artistiques variés, en créant des effets artistiques convaincants et en utilisant l’inattendu de manière novatrice.	++
1.6 – Exploiter des informations et de la documentation, notamment iconique, pour servir un projet de création	Je n’exploite ni les informations ni la documentation iconique, pour soutenir mon projet.	–
	Je commence à recourir aux informations et à la documentation, notamment iconique, mais ai besoin de plus de pratique pour les intégrer de manière cohérente dans mon projet artistique.	+-
	J’exploite les informations et la documentation, en particulier iconique, pour nourrir et enrichir mon projet de création.	+
	J’utilise avec attention les informations et la documentation, notamment iconique, en les intégrant de manière perspicace et créative dans mon projet artistique.	++
3.2 – Établir des liens entre son propre travail, les œuvres rencontrées ou les démarches observées	J’ai des difficultés à établir des liens entre mon travail artistique et les œuvres ou démarches artistiques observées en classe.	–
	Je commence à percevoir certains liens entre mon travail artistique et les œuvres ou démarches artistiques observées en classe, mais ceux-ci restent évidents ou imprécis.	+-
	J’établis des liens pertinents entre mon travail et les œuvres ou démarches artistiques observées en classe.	+
	J’établis des liens complexes et nuancés entre mon travail, les œuvres et les démarches artistiques observées en classe, démontrant une compréhension approfondie.	++
4.2 – Identifier des caractéristiques (plastiques, culturelles, sémantiques, symboliques) inscrivant une œuvre dans une aire géographique ou culturelle et dans un temps historique	Je n’identifie pas les caractéristiques permettant de situer une œuvre dans son contexte géographique, culturel ou historique.	–
	Je repère certaines caractéristiques permettant de situer une œuvre dans son contexte, mais celles-ci restent peu précises.	+-
	J’identifie de manière fiable les caractéristiques plastiques, culturelles, sémantiques et symboliques situant une œuvre dans un contexte.	+
	J’identifie avec précision et finesse les caractéristiques inscrivant une œuvre dans une aire géographique ou culturelle et dans un temps historique, démontrant ainsi une connaissance approfondie et nuancée de celle-ci.	++

Références au programme du cycle 4

Questionnement(s)

La représentation ; images, réalité et fiction :

la ressemblance : les images artistiques et leur rapport à la fiction, notamment la différence entre ressemblance et vraisemblance
la narration visuelle : mouvement et temporalité suggérés ou réels, dispositif séquentiel et dimension temporelle, durée, vitesse, rythme, montage, découpage, ellipse…
la création, la matérialité, le statut, la signification des images : l’appréhension et la compréhension de la diversité des images

Compétences disciplinaires

Composantes plasticiennes

– Expérimenter, produire, créer

1.1 – Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une intention artistique en restant attentif à l’inattendu.
1.6 – Exploiter des informations et de la documentation, notamment iconique, pour servir un projet de création.

Composantes théoriques (méthodologiques et sociales)

– S’exprimer, analyser sa pratique, celle de ses pairs, établir une relation avec celle des artistes, s’ouvrir à l’altérité

3.2 – Établir des liens entre son propre travail, les œuvres rencontrées ou les démarches observées.

Composantes culturelles

– Se repérer dans les domaines liés aux arts plastiques, être sensible aux questions de l’art

4.2 – Identifier des caractéristiques (plastiques, culturelles, sémantiques, symboliques) inscrivant une œuvre dans une aire géographique ou culturelle et dans un temps historique.

*Image mise en avant : Nancy (comic strip) de l’auteur américain Ernie BUSHMILLER (1905-1982) – https://fr.wikipedia.org/wiki/Nancy_(comic_strip)

Ready Player One

Mon cahier de troisième

21 septembre 2023

Traduisez, en réalisant un photomontage non numérique, votre vision du monde en 2045 et accompagnez-le d’un titre.
#rapport du GIEC #effondrement climatique #SF #utopie #dystopie

Ready Player One est un film de science-fiction américain coproduit et réalisé par Steven SPIELBERG, sorti en 2018. Il s’agit de l’adaptation du roman Player One d’Ernest CLINE, paru en 2011.

Synopsis :
En 2045, le monde est en proie à de nombreux soucis : crise énergétique, désastre causé par le changement climatique, la famine, la pauvreté, la guerre, etc. Dans ce monde chaotique, l’OASIS est un système mondial de réalité virtuelle, accessible par l’intermédiaire de visiocasques et de dispositifs haptiques tels que des gants et des combinaisons. Conçu à l’origine comme un jeu de rôle en ligne massivement multijoueur (MMORPG), il est devenu au fil du temps une véritable société virtuelle dont toute l’humanité se sert comme exutoire. Son créateur, James Halliday, était l’un des hommes les plus riches et populaires au monde, avant son décès. À sa mort, une vidéo est diffusée dans laquelle il explique qu’il léguera son immense fortune, 500 milliards de dollars, ainsi que sa société, GSS, à la personne qui réussira à trouver l’easter egg caché dans l’OASIS. Wade Watts, un jeune orphelin de 18 ans vivant à Columbus, est un fin connaisseur de Halliday et de l’OASIS. Via son avatar Parzival, Wade va tout tenter pour trouver l’œuf. Il devra faire face à la multinationale Innovative Online Industries (IOI) et son PDG, Nolan Sorrento, prêts à tout pour prendre le contrôle du monde virtuel. Wade pourra compter sur l’aide de plusieurs alliés dans l’OASIS, notamment la mystérieuse Art3mis.
Source Wikipédia

Objectifs pédagogiques

La séquence a pour objectifs d’amener les élèves à :

comprendre que l’association et la collision d’images sont des notions essentielles à la compréhension dans un schéma narratif
saisir que l’emprunt et la citation peuvent être source d’expression.

Questions

En quoi les dérives de notre société (problèmes sociaux, politiques ou environnementaux) peuvent-elles être une source d’inspiration artistique ? Comment l’art peut-il contribuer à la compréhension de notre société ? Dans quelle mesure une représentation peut-elle sensibiliser le spectateur aux problèmes écologiques et sociétaux futurs ? Quels éléments visuels ou symboliques peuvent être utilisés pour exprimer une vision de l’avenir ?

Sources d’inspiration

Photomontage

La technique du photomontage apparue dès 1850-1851 par la combinaison de négatifs, est utilisée dès 1870 à des fins politiques par Eugène APPERT dans sa série des Crimes de la Commune. La technique s’est popularisée après 1917, en URSS, avec le mouvement constructiviste dont Alexandre RODTCHENKO et El LISSITZKY sont les pionniers. Parallèlement, en Allemagne, les dadaïstes, comme Hannah HÖCH, Raoul HAUSMANN et John HEARTFIELD développent eux aussi cette technique en combinaison avec celle du collage.

Le photomontage suit dès l’origine deux directions : la poésie (et l’onirisme) et la propagande politique.
Source Wikipédia

John HEARTFIELD, Adolf, le surhomme, AIZ, 17 juillet 1932
Richard HAMILTON, Qu’est-ce qui peut bien rendre nos foyers d’aujourd’hui si différents, si sympathiques ? 1956

Utopie

Représentation d’une société idéale sans défaut contrairement à la réalité ; le terme utopia est un néologisme grec, forgé par Thomas More, composé de la préposition négative grecque ou et du mot topos qui signifie : lieu. Le sens d’utopie est donc, approximativement, « sans lieu », « qui ne se trouve nulle part ».

Thomas MORE, Utopia (De optimo rei publicæ statu, deque nova insula Utopia), 1516
Cyrano de BERGERAC, Voyage dans la lune, 1650
VOLTAIRE, Candide, 1759
Jules VERNE, L’Île mystérieuse, 1874
Étienne CABET, Voyage en Icarie, 1845
Ray BRADBURY, Chroniques martiennes, 1950
François SCHUITEN et Benoit PEETERS, Les Cités obscures, série de bandes dessinées, 1996

Dystopie

Récit de fiction dépeignant une société imaginaire organisée de telle façon qu’elle empêche ses membres d’atteindre le bonheur. Une dystopie peut également être considérée, entre autres, comme une utopie qui vire au cauchemar et conduit donc à une contre-utopie.

Jonathan SWIFT, Les Voyages de Gulliver, 1721
Aldols HUXLEY, Le meilleur des mondes, 1932
George ORWELL, 1984, 1949
Ray BRADBURY, Fahrenheit 451, 1953
Pierre BOULLE, La Planète des singes, 1963
Suzanne COLLINS, The Hunger Games, trilogie, 2008
Enki BILAL, Trilogie Nikopol, bande dessinée, 1980-1993
MOEBIUS, Incal, bande dessinée, 1981-1989
Alan MOORE, Watchmen, 1986
Fritz LANG, Metropolis, 1927
Jean-Luc GODARD, Alphaville, 1965
George LUCAS, THX 1138, 1971
Stanley KUBRICK, Orange mécanique, 1971
Richard FLEISCHER, Soleil vert, 1973
George MILLER, Mad Max, 1979
Steven LISBERGER, Tron, 1982
Terry GILLIAM, Brazil, 1985
Paul VERHOEVEN, Total Recall, 1990
Andrew NICCOL, Bienvenue à Gattaca, 1997
Alex PROYAS, Dark City, 1998
David CRONENBERG, eXistenZ, 1999
WACHOWSKI, Matrix, 1999
James Mc TEIGUE, V pour Vendetta, 2006
Mike JUDGE, Idiocraty, 2007
Yórgos LÁNTHIMOS, The Lobster, 2015
Steven SPIELBERG, Ready Player One, 2018

Uchronie

Fiction qui repose sur le principe de la réécriture de l’Histoire à partir de la modification d’un événement du passé. Le terme est un néologisme du 19^e siècle fondé sur le modèle d’utopie, avec un u préfixe de négation et de chronos (: temps) : étymologiquement, le mot désigne donc un « non-temps », un temps qui n’existe pas.

Vincent LAMOUROUX, Mobile #00, 2003, bois, roues, peinture métallique, environ 140 × 170 × 100 cm
Xavier VEILHAN, La Ford T, 1999, châssis métallique, carrosserie bois et métal, moteur d’époque restauré, travelling électrique composé de 10 modules de 3 m, 175 × 300 × 170 cm
Raphaël ZARKA, La Draisine, 2009, réplique de la Draisine de l’aérotrain de Jean Bertin, 2 motos Jawa, fer galvanisé, contreplaqué, 129 × 222 × 446 cm
Du ZHENJUN, The Flood, 2012, photographie
Vincent DEBANNE, Préfecture Seine Saint-Denis, série des Incidents, 2012, photographie

Les machines

Les machines de Léonard de VINCI, 15^e-16^e siècle
Mary SHELLEY, Frankenstein ou le Prométhée moderne, 1818
H.G WELLS, La machine à explorer le temps, 1895
Raoul HAUSMANN, Tatlin chez lui, 1920, photomontage
Hannah HÖCH, La belle fille, 1920, photomontage
Fritz LANG, Metropolis, 1926
Charlie CHAPLIN, Les temps modernes, 1936
Stanley KUBRICK, 2001 L’odyssée de l’espace, 1968
STELARC, The Third Hand, 1980, performance, prothèse articulée
Ridley SCOTT, Blade Runner, 1982
Shirō MASAMUNE, Ghost in the Shell, 1989-1991
MOEBIUS et Jirō TANIGUSHI, Icare, 2011